le informazioni

Premesso che se foste in grado di sapere fin dall'inizio quali informazioni dare immediatamente e quali invece centellinare lungo il percorso sareste già per metà scrittrici, anche chi scrive da molto tempo si pone il problema di cosa rivelare al lettore e quando farlo, ed è normale partire in un modo e a metà percorso magari cambiare le
carte in tavola.
D'altro canto, è anche vero che le informazioni che diamo all'inizio di un racconto, devono essere sufficienti a dare un'idea della situazione e una direzione alla trama.
Tuttavia spesso la questione non sta nella quantità di informazioni date ma nello spazio ad esse dedicato, al modo in cui vengono pesate.
Essere scrittrice vuol dire anche concedere più spazio a qualcosa e toglierlo ad altro, decidere cos'è che consideriamo più importante e cosa invece non necessiti più di un piccolo accenno.  Distinguiamo queste cose, mettiamo più enfasi alle informazioni determinanti alla comprensione del lettore, e riduciamo le altre, in questo modo non rischieremo di generare confusione ponendo troppa attenzione su dettagli superflui.

Quello che scriviamo non è importante quanto "come" lo scriviamo.
Così come nella realtà ci sono cose che ci toccano di più e altre invece che non richiamano neppure la nostra attenzione, anche nello scrivere è importante fare questa distinzione. Questo è anche il primo passo verso la conquista del ritmo.
Da ricordare sempre:  chi ci legge non ha idea di quello che noi abbiamo nella testa, quindi se da una parte per noi le cose sembrano scontate, per il lettore è vero il contrario. Occorre cercare sempre di leggere quello che si scrive mettendoci nei panni del lettore, e chiedendoci se gli abbiamo dato sufficienti informazioni, e soprattutto se gliele abbiamo date nel modo giusto, perché possa comprendere appieno la nostra storia.

le emozioni

Ritornando al discorso precedente, ovvero distinguere tra cose importanti e superflue, qui è d'obbligo una approfondita attenzione, perchè le emozioni sono parte fondamentale di qualsiasi personaggio di qualsiasi racconto.
Far ridere o piangere i nostri personaggi non è sufficiente perché il lettore si diverta o si commuova, è necessario dare motivazioni, creare intimità con i nostri personaggi, fare in modo che quel pianto o quel riso siano espressioni di qualcosa di molto più profondo che riesce ad arrivare e a toccare il lettore.  I pensieri dei nostri personaggi sono il mezzo attraverso il quale si comunicano al lettore i loro stati d'animo, tutto quello che sta dietro il loro comportamento.

Quando si scrive è necessario considerare che non è possibile fare affidamento sui sensi del lettore, ma solo sulla sua capacità di immedesimazione e di immaginazione. Al contrario di noi, che l'abbiamo nella testa, lui non può vedere la scena, non può vedere le espressioni, la gestualità dei personaggi, e a questo occorre sopperire con le parole.
A nostro vantaggio però, la scrittura ci offre la possibilità di "entrare" nella testa dei nostri personaggi e far conoscere al lettore i loro pensieri. E i pensieri sono importantissimi, insieme alle azioni, per dare concretezza alle emozioni, per renderle vere.
Un fulmine a ciel sereno lascia stupiti, ma non provoca altre reazioni.
Il fulmine che piove da un cielo tempestoso, in mezzo al ruggire degli elementi e seguito dallo scoppio assordante del tuono, come minimo ci fa trattenere il respiro.
Un'azione senza pensieri, senza interiorità, è come un fulmine privato del temporale, delle nubi, della pioggia, del tuono.

l'ambientazione

Come in una commedia è importante la scena, così in un romanzo è importante l'ambientazione, ovvero il luogo e il tempo in cui si svolge la nostra storia e in cui si muovono in nostri personaggi. Anche se inerte, l'ambientazione produce un effetto fondamentale su di essi, determina il loro imprinting, il loro modo di comportarsi, di pensare, di agire, e contribuisce a renderli credibili.
Per esempio, nell'ottocento le persone relazionavano in modo diverso da quelle di oggi, così come un uomo di mare pensave e si comportava in maniera differente da un contadino, o da un nobile. Dunque l'ambientazione è a tutti gli effetti una co-protagonista, e dobbiamo riservarle un suo spazio. Quanto esteso esso debba essere è relativo, siamo noi a deciderlo, in base alle descrizioni e ai riferimenti che mettiamo nelle scene, oltre che a seconda del tipo di storia che vogliamo scrivere.

i personaggi

I personaggi non sono marionette che l'autore muove attraverso fili, ma esseri a tutto tondo, con cuore e anima, che parlano, si muovono, provano sensazioni ed emozioni, reagiscono come entità indipendenti.
Spesso sentiamo l'autore definire i suoi personaggi come entità pensanti dotati di volontà propria, come fossero loro in realtà a decidere il corso della trama, a scegliere una strada piuttosto che un'altra... La cosa straordinaria, è che è esattamente questo ciò
che l'autore si aspetta da loro, ed è questo che dà loro il potere di farci ridere, piangere, arrabbiare... o innamorare.

Mettersi nei panni dei nostri personaggi è basilare per riuscire a renderli più veri. Non pensiamo di essere lì semplicemente per "raccontare" una storia, non siamo la voce fuori campo, dobbiamo essere ognuna delle voci che ci sono dentro il racconto, ed essere altrettante menti e cuori.
Ciò che personalmente reputo essenziale, per rendere credibili i miei personaggi, è "conoscerli". Forse inizialmente, quando scaturiscono dalla mia immaginazione, possono essere sfocati e imprecisi, ma non lo sono mai quando inizio a scrivere, perchè ognuno di essi mi ha già raccontato la sua storia, il suo passato, le sue esperienze, positive o negative, e questo per me è imperativo, se voglio mettermi nei loro panni, pensare come loro e agire come loro. Diversamente non mi riterrei sufficientemente credibile.

i dialoghi

Sono una parte importante e fondamentale di un racconto, attraverso di essi diamo voce ai nostri personaggi. Ma anche i dialoghi non sono qualcosa di indipendente, si inseriscono in precisi momenti, all'interno di una data scena, e sono il risultato di pensieri, emozioni, azioni.
Se nella realtà ci muoviamo e viviamo in un mondo tridimensionale, con il quale relazioniamo grazie ai nostri cinque sensi, nel racconto, come abbiamo già visto, non possiamo fare affidamento sui nostri sensi fisici, ma dobbiamo comunque far sì che questo mondo immaginario mantenga l'illusione della tridimensionalità, perchè
possa sembrare reale.
Abbiamo detto che il lettore non può vedere, né sentire, né odorare quello che scriviamo, ma noi possiamo a livello di immaginazione, anzi, talvolta lo vediamo così bene che ci sembra addirittura scontato, e ci dimentichiamo che gli altri non possono vederlo.
Nei dialoghi, concentrarsi sulle parole che mettiamo in bocca ai nostri personaggi, fa sì che tutto il resto passi in secondo piano.
In realtà, quando scriviamo un dialogo, e quando poi lo rileggiamo, nella nostra immaginazione cosa accade? vediamo i protagonisti parlare, e se le frasi sono azzeccate tutto sembra perfetto. Ma non lo è, non per il lettore, perchè il dialogo, da solo (ovvero
botta e risposta), non comunica quello che noi come autori vediamo.

Quando le persone reali parlano tra loro, cambiano espressione, gesticolano, guardano in faccia il loro interlocutore o magari distolgono lo sguardo, o stringono i pugni se sono in collera, o brillano loro gli occhi perché si stanno divertendo...
Tutto questo non può trasparire solo dalle parole del dialogo, lo dobbiamo mettere noi, dobbiamo mostrarlo al lettore.
Non solo "quello" che un personaggio dice, ma anche e soprattutto "come" lo dice.
Nei dialoghi ci sono sempre l'espressione, lo sguardo e i gesti insieme alle parole.
Se non li mettiamo, sarà come avere personaggi perfettamente immobili (di carta) che parlano.

Un banalissimo esempio:  due persone che discutono
- Hai sbagliato! -
- No! non è vero! -
- Sì invece guarda! E' tutto sbagliato! -
- Ma vai a quel paese. -

Botta e risposta, non ci danno la misura di quello che viene detto, non ci suggerisce il contesto, non ci comunica lo stato d'animo (rabbia? frustrazione? esasperazione? divertimento?) di queste due persone. E il risultato è che lo leggiamo senza "sentire" nulla, o facendoci un'idea nostra che nella maggior parte dei casi non coincide con quella che lo scrittore vede.

Proviamo a riscriverlo:
- Hai sbagliato! - sbottò Luca in tono di trionfo.
Marco sgranò gli occhi, incredulo. - No! non è vero! -
- Sì invece guarda! - rise - E' tutto sbagliato! -
- Ma vai a quel paese. - sbuffò Marco, voltandogli le spalle per nascondere il sorrisetto.

Cosa è successo? abbiamo aggiunto solo pochi dettagli, ma :
1- afferriamo il contesto (o se non altro ce ne facciamo un'idea)
2- vediamo le espressioni dei protagonisti e ci sembrano più veri
3- proviamo empatia, tanto che ci viene da sorridere.
4- soprattutto vediamo quello che l'autore vuole farci vedere

il ritmo

Il modo in cui si descrive un'azione o una scena è molto importante anche dal punto di vista del ritmo del racconto.
Nel prestare attenzione ai particolari nell'ambito di una scena che vogliamo descrivere, non dimentichiamo che : molti particolari (o anche pensieri) rallentano l'azione, pochi o assenza di particolari la velocizzano.
Per dare un'idea di un'azione frenetica, l'ultima cosa da fare è soffermarsi sui particolari.
Non è una cosa semplice, se ci pensiamo, molte delle letture che abbiamo trovato noiose erano probabilmente scritte senza particolare attenzione al ritmo della narrazione.
Così come nella vita ci sono momenti in cui ci si può fermare a contemplare ciò che ci circonda, ed altri in cui non si ha neppure il tempo di battere le ciglia, anche nel racconto è importante rendere questa differenza di ritmo.

Per quanto riguarda la narrazione, di tanto in tanto è utile anche darle respiro attraverso cambi di paragrafi. Specialmente quando cambiano le scene, o quando si vuole dare l'impressione di concomitanza tra di esse, o quando si vuole sottolinearne il contrasto. Spezzare il capitolo in paragrafi in base alle scene, dà la possibilità di ravvivare l'attenzione del lettore.

editing e tagli

Credo che da qui siano passati almeno una volta tutti coloro che scrivono, a maggior ragione chi è agli esordi. Anch'io mi sono industriata a lavorare di forbici sul mio primo romanzo, e non è stato certo facile, sia dal punto di vista emotivo che fisico.
Le parole esatte sono state: "il romanzo è molto bello... ma è maledettamente
lungo", e credetemi, mi sono ronzate le orecchie quando hanno cominciato a parlare
di tagliare il 40%.
Quando me ne sono fatta una ragione, ho intrapreso la sfida, perchè di sfida pura e semplice si tratta, verso se stessi e verso la propria opera. Si tratta di sfilare mattoni da una costruzione già finita, senza rischiare di renderla instabile e di farla crollare.
Ho dovuto rinunciare a tante parti che mi piacevano, su alcune sono stata letteralmente delle ore, dibattuta se toglierle o meno, se ridurle, se trasformarle...
Ho rifatto il lavoro da capo non so quante volte, perchè non era mai abbastanza.
Ma per nessun motivo avrei lasciato il compito a qualcun altro.
Credo di avere ancora in computer almeno cinque versioni, dall'originale completa alla
definitiva, con tutti passaggi di mezzo. Da quasi 800 pagine a 540 finali.

Vista in retrospettiva, è' stata comunque un'esperienza positiva sotto certi aspetti, perchè mi ha dato modo di lavorare di critica su qualcosa che emotivamente adoravo, permettendomi di vederne i punti deboli e le divagazioni, spingendomi a effettuare delle scelte radicali che non avrei mai avuto il coraggio di fare altrimenti.
Onestamente parlando, nonostante mi pianga ancora il cuore, devo convenire che il risultato si è rivelato migliore di quanto mi aspettassi.

L'editing consiste in una revisione finale, mirata a rendere più fluida la narrazione, ad eliminare giri di frase un po' arzigogolati, correggere la punteggiatura e tutti quegli errori che possono sfuggire durante la stesura.  E' un'operazione fondamentale che a mio parere ogni scrittore dovrebbe fare, almeno in certa misura, da sé, e magari a distanza di qualche tempo dalla fine della stesura, poiché questo ci permette di accorgerci di errori che si rivelano assolutamente invisibili durante la lavorazione. Staccarci per un po' dalla nostra opera, prima di riprenderla in mano e correggerla, ci permette di affrontarla in modo diverso, più critico e più distaccato.